Posts written by Filokalos

QR: l'evoluzione del codice a barre



Sembra essere un semplice codice a barre,
ma il Quick Response è molto di più.
È un’innovativa forma tecnologica di comunicazione
i cui ambiti di applicazione sono diversi,
come il turismo e l’arte.

È diventato un must nel modo di fare pubblicità delle grandi aziende. Nel turismo si sta diffondendo a macchia d'olio ed è destinato, a breve, a sostituire le vecchie guide cartacee o le audio-guide.

È il QR, una delle rivelazioni più interessanti degli ultimi anni, acronimo di Quick Response, letteralmente "risposta rapida".

È un codice a barre bidimensionale costituito da una serie di piccolissimi quadrati che, in base alla loro densità di posizione, determinano un insieme di dati.

Nato per consentire una rapida decodifica del suo contenuto, il QR è molto, molto di più di un semplice codice a barre.

Si tratta di una vera e propria forma comunicativa, un nuovo piccolo "mass media" attraverso cui far giungere messaggi tecnologicamente complessi che altrimenti risulterebbero di difficile lettura.

Il codice QR per questa pagina...

È stato inventato in Giappone, ma già spopola oltreoceano e nelle più grandi capitali europee.

A Londra, a Barcellona, a Parigi, ma anche nei dintorni della centralissima Times Square di New York è sufficiente alzare gli occhi per trovare gigantesche riproduzioni di codici QR pronti ad essere immortalati con un click.

Gli utilizzi di questo quadratino puntinato sono infiniti e possono essere di grande utilità sociale. Venezia, ad esempio: la laguna più affascinante della nostra Penisola, ha disseminato i suoi monumenti principali con bianche mattonelle con codici QR.

Basta un click con il cellulare e i turisti possono sapere dove si trovano e quale opera d'arte stanno ammirando.

Non mancano neanche usi "strambi". Negozi on line, infatti, offrono la possibilità di realizzare T-shirt con codici QR creati con messaggi di testo personali.

Si può così andare in giro con un'immagine criptata che può essere facilmente resa nota: una dichiarazione d'amore, una foto osé, il luogo di un appuntamento o semplicemente il numero del proprio cellulare.

Tutto rigorosamente stampato sul petto. Come vederlo? È semplice, basta un click.

La sede della Camera di Commercio di Prato nasce dal recupero di un’antica fabbrica tessile, nelle immediate vicinanze del centro storico di Prato.

Il progetto di recupero, elaborato dallo studio MDU architetti di Prato si muove su due livelli: il primo enfatizza la regolarità dell’edificio esistente, il secondo apre il volume alla città.

L’edificio è stato rivestito da un tessuto in alluminio traforato bronzato, al fine di rendere visibile, in trasparenza, le caratteristiche architettoniche complessive della costruzione preesistente.

Attraverso l’utilizzo di questo materiale sarà possibile illuminare l’edificio di notte, mentre di giorno l’unica apertura visibile sarà la finestra posizionata all'altezza della sala giunta.

La nuova immagine che la Camera di Commercio di Prato offre alla città è una sorta di “sfocatura” dell’opificio industriale, del quale si continuano a vedere gli elementi caratterizzanti, che dialoga con una nuova architettura contemporanea.

L’edificio industriale viene mantenuto pressoché intatto nelle sue caratteristiche architettoniche e strutturali: l’unica, vera, eccezione è la grande apertura su via Baldanzi che apre la sala del consiglio verso la città.

Una serie di “tagli” operati sull’edificio esistente introducono segni contemporanei caratterizzati dalle forme architettoniche articolate e dal rivestimento in acciaio corten: l’attuale corte interna si trasforma così in una nuova centralità urbana, una piazza-giardino accessibile durante gli orari di apertura degli uffici relazionata al contesto limitrofo e con un nuovo, importante, collegamento a via Valentini, tradizionale asse direzionale della città di Prato.

La nuova struttura ospita un auditorium di 400 posti destinato a diventare uno spazio polifunzionale per mostre ed eventi vari.

Una delle caratteristiche più importanti dell’edificio è rappresentata dalle soluzioni innovative che soddisfano i requisiti energetici che lo classificano in classe A+. Al fine di ridurre il più possibile il proprio fabbisogno energetico, la struttura è stata isolata con una copertura ventilata, con molteplici soluzioni tecniche di isolamento a cappotto delle pareti e con vetrate basso emissive.
La nuova sede della Camera di Commercio si alimenterà il più possibile da fonti di energia rinnovabile, attraverso sonde geotermiche e di pannelli fotovoltaici. Il progetto è stato sviluppato in collaborazione con Seti Ingegneria di Prato per gli impianti e con la società veneziana Favero & Milan Ingegneria per le strutture.

Quando si sente nominare Enrico Coveri si pensa immancabilmente al colore.

All'energia e alla vitalità trasmessa da gonne, giacche o pantaloni.

Con il suo gusto eccentrico che sdoganava le tinte forti e dichiarava guerra alla sobrietà del nero e grigio, lo stilista è stato un protagonista della moda italiana.

Un amore che ha vissuto non solo da stilista.

Non molti sanno, infatti, che i primi passi nella moda Coveri li ha fatti sulla passerella, come indossatore.

Poi la sua prima collezione, a 25 anni, presentata nel 1977 a Parigi.

Un successo.

Lo "stile Coveri", ovvero esuberanza cromatica, vivacità delle fantasie, declinato in ogni creazione, dal design al make up, dagli accessori alle pellicce, sino ai profumi, tra i quali “Paillettes”.

Enrico Coveri "utilizza" l'arte nelle sue creazioni, tanto che l'esplosione di colore rimanda alla memoria Matisse e i segni grafici ci fanno ricordare la pittura di strada così diffusa nella "Grande Mela" e la Transavanguardia che in quegli anni si era affermata.

Nel 1988, insieme a Marta Marzotto, dà vita a una campagna pubblicitaria invitando un folto gruppo di artisti, in particolare italiani, a interpretare il marchio e lo stile "Enrico Coveri": questa volta le posizioni si ribaltano e non è più lui a ispirarsi all'arte, ma sono gli artisti a ispirarsi a lui. Tra i tanti che con entusiasmo raccolsero la sfida ricordiamo Aldo Mondino, Gianni Dova, Franco Angeli, Antonio Recalcati, Giangiacomo Spadari e Luciano Bartolini.

Coveri predilige la contaminazione e dunque ai tessuti leggeri e colorati associa materiali "altri" come la paglia, i feltri o le paillettes che diventeranno uno dei tratti distintivi della sua produzione.

La freschezza delle sue creazioni è fissata anche nei tanti scatti realizzati per le campagne promozionali affidate a grandi fotografi, come Frank Yarbrough, Bill King, Oliviero Toscani, Michel Comte che vedono gli abiti indossati da famose modelle dell'epoca (Carré Otis, Naomi Campbell, Claudia Schiffer) e da noti personaggi del jet set come Stéphanie di Monaco.

A ricordarlo adesso c'è la mostra “Covery Story - Da Prato al Made in Italy” (sino al 18 gennaio all’Auditorium della Camera di Commercio di Prato).

Un’esposizione che ripercorre le tappe della carriera dello stilista, dagli esordi toscani sino ai successi mondiali, attraverso abiti originali, bozzetti, storyboard delle sfilate (questo un assoluto inedito per il pubblico), fotografie, video delle sfilate, fino alle numerosissime copertine che le riviste hanno dedicato alle creazioni di Enrico Coveri, lo stilista che amava l’allegria dei colori sgargianti e il brillare delle paillettes, e che fu un protagonista della moda italiana.

Il percorso è concepito per ripercorrere i principali momenti della carriera di Enrico Coveri e del suo marchio partendo dalla fine degli anni Settanta quando la moda italiana, per merito suo e di un piccolo numero di geniali artisti e imprenditori si afferma in tutto il mondo.

Coveri, nato nel 1952, inizia giovanissimo a disegnare modelli per le industrie locali e sfila per la prima volta con la lineaTouche nel 1973, a soli ventun anni, facendosi subito notare dall'ambiente della moda fiorentino, che in quel periodo era il più importante d'Italia.

Proprio in quegli anni, bui per il nostro Paese, la moda diventa il motore della ripresa. La mostra documenta il contesto in cui Enrico Coveri sviluppa il suo talento e la sua capacità di attingere dalla tradizione di qualità dell'industria tessile di Prato e della Toscana, e dai suoi straordinari artigiani della pelle, della paglia, del feltro, e di renderli famosi in tutto il mondo.

Il visitatore viene condotto attraverso i momenti cruciali della vita professionale di Coveri, avendo la possibilità di vedere il suo debutto sulla piazza di Parigi nel 1977, ad appena venticinque anni, un successo di tali dimensioni che lo lancia alla ribalta della moda mondiale.

Nasce lo "stile Coveri", con caratteristiche che rendono inconfondibile la sua moda. Le sue peculiarità sono l'allegria, il piacere di vivere, il gioco; il suo target comprende tutta la famiglia: uomo, donna e bambino, che viene spesso fatta sfilare insieme; la sua creatività si estende a tutte le occasioni della vita, dalla gran sera alla spiaggia.

Il simbolo più evidente di questo stile Coveri sono le paillettes, fino a quel momento usate per gli accessori e che il giovane stilista utilizza in maniera rivoluzionaria in tutte le sue creazioni, inventando la lavorazione a maglia tricot che ancora oggi, insieme al colore, è riconosciuta come elemento distintivo della maison.


Tanto che Le Figaro conia la frase: "Le paillette stanno a Coveri come le catene a Chanel".


Ugo Volli, uno dei curatori della mostra, ha dichiarato:

"Ricordare oggi Enrico Coveri e il suo percorso, purtroppo breve ma intensissimo e di grande successo, è importante non solo perché è sano conservare la memoria degli uomini di genio che hanno arricchito il nostro gusto, la nostra vita quotidiana o l'identità collettiva, la nostra fantasia e le nostre passioni.

Ricordare Coveri per noi in Italia può essere importante soprattutto perché dalla sua esperienza, dal suo tragitto fra la provincia italiana ed il successo mondiale possiamo trarre ancora oggi degli insegnamenti ancora essenziali.

Il valore del coraggio e dell'autonomia creativa o l'importanza di attingere ad un sistema di competenze artigianali, di modelli artistici depositati, ad un'industria disposta a rischiare su progetti concreti e plausibili ed insieme creativi.

La possibilità di inserirsi sul mercato mondiale a partire da un gusto preciso, non astratto e pretenzioso, ma neppure prono al sistema di massa dominante, capace di piacere proprio per la sua originalità e finezza".

Parole a cui fanno eco quelle di Luigi Salvioli (anch'egli curatore della mostra) che spiega: "Di quella stagione immemore e spensierata che furono gli Anni Ottanta Enrico Coveri fu un astro la cui orbita si muoveva tutta nel segno dell'energia e del vitalismo.
In quel momento tutto il Paese visse a lungo al di sopra dei suoi mezzi pagando poi, e facendo pagare ad altri più tardi, e per decenni, quella dissipazione irresponsabilmente sventolando sul ponte la proverbiale bandiera bianca.
Per fortuna c'era anche qualche eccezione.
Persone che come Enrico, pur cavalcando con gioia la spensieratezza del momento, usavano il proprio slancio per creare, con inusitata lucidità, un'impresa solida, lungimirante e durevole.
L'azzardo dei colori, la leggerezza dei tessuti, il taglio geometrico ne caratterizzarono da subito l'impronta.
Poi sarebbero arrivate le paillettes, l'inserimento di materiali altri a comporre un ordito e un disegno che trasformavano l'abito anche in un fatto tattile, che mescolava la morbidezza alla durezza, il soffice al rigido.
Ma l'unione di questi elementi non appariva come qualcosa di estraneo e forzato, bensì come la sintesi di fattori compositivi eterogenei e tuttavia armoniosi: un puzzle alla Sophie Tauber".

Enrico Coveri dialoga con i migliori artisti contemporanei e riesce a conquistarsi fra i suoi clienti e testimonial, grandi star della cultura, della mondanità e dello spettacolo.

Il suo gusto estetico lo porta a scoprire bellissime e ancora sconosciute modelle dai nomi che saranno i più celebri del mondo come Naomi Campbell e Claudia Schiffer, e a lavorare con grandi fotografi come Bill King e Oliviero Toscani.

Primo tra gli stilisti ad applicare la sua creatività per creare linee di moda che possano completare il suo mondo (Sportswear, Jeans, Junior, Baby, Premiers Jours, You Young), firma dagli oggetti per il design della casa al make-up, dagli accessori alle pellicce colorate, ai profumi.

Martina Corgnati, curatrice della mostra ha spiegato: "La donna di Coveri è una ragazza vitale che è da sempre al massimo di se stessa senza esibire distinzioni di classe, che chiede il meglio in ogni gesto della sua dinamica, gioiosa ed intensa esistenza; che raccoglie suggestioni dall'alto e dal basso, gira per il mondo e gode, soprattutto, della bellezza."

Come afferma Dorlfes: "Coveri, mostra la volontà di offrire alla donna un mezzo per rilevare appieno la propria personalità non coartandola all'interno dei limiti rigoristici di uno stile, magari eccelso ma costrittivo."

Questo taglio non potrebbe essere più esplicito nella scelta dei fotografi cui, tra il 1980 ed oggi, viene affidata l'elaborazione dell'immagine Coveri.

Da Francois Lamy, autore di magnifici ritratti e composizioni di gruppo a Bill King che tra il 1985 ed il 1986 con la Principessa Stephanie di Monaco, Cindy Crawford, Monika Scharre, Naomi Campbell e Claudia Schiffer abbandona l'immagine statica dai contorni perfetti e dal fascino esclusivo e coglie, invece, ragazzi e ragazze nell'impeto di un gesto, di un salto, un movimento avventuroso o nello slancio dello spazio, quasi sempre in gruppi variopinti e a figura intera: scelta geniale che caratterizza l'immagine di Coveri per molto anni.

Dopo di lui Yarbrough, W. Chin ed Oliviero Toscani che usa la sorprendente Roberta Chicko e che costruisce insiemi di dirompente vivacità dov'è più esplicito il classico gioco della seduzione spesso impaginato con tanti uomini e una sola ragazza di cui tutti sono innamorati.

Michel Comte, infine, sceglie Milla Jovovich per inventare una donna aggressiva, coloratissima, spiritosa anche se infuriata, a mezzo busto o di tre quarti, quasi sempre sola nell'immagine tranne quando colpisce con un estro in pieno viso il malcapitato compagno che osa cimentarsi con lei.
La documentazione che la mostra presenta è ampia e variata infatti è possibile vedere i filmati dedicati alle modelle, ai fotografi e agli accessori ma anche i video delle sfilate che si sono succedute nel corso degli anni Ottanta di cui Enrico Coveri è stato uno dei testimoni e dei promotori più significativi per la diffusione del Made in Italy.
Particolare attenzione va riservata alla sezione che documenta il suo amore per l’arte contemporanea con una preziosa selezione di opere, conosciute solo da chi frequentava il suo salotto fiorentino.
E una una galleria di opere d’arte contemporanea che hanno ispirato lo stilista.

Un percorso con cinquanta opere suddivise in due sedi, le gallerie Bottegantica e Ambrosiana, per un omaggio all'universo femminile e alla sua rappresentazione da parte dei principali artisti italiani del secondo Ottocento quali Giovanni Boldini, Mosè Bianchi, Pellizza da Volpedo, Domenico Induno, Giuseppe De Nittis, e altri.

Un'ulteriore occasione in cui la pittura italiana del XIX secolo si trova al centro di una mostra è in programma a Milano dall’8 novembre al 23 dicembre 2012.

Domenico Induno, Ritratto della Baronessa Summer, Olio su tela, 70 x 54 cm

La donna nella pittura italiana dell’800, un progetto firmato da Enzo Savoia e Francesco Luigi Maspes, intende documentare in un percorso che collega la Galleria Bottegantica (via Manzoni 45) e la Galleria Ambrosiana (via Vincenzo Monti 2), il ruolo di protagonista che la donna ebbe nella seconda metà dell’Ottocento nelle opere dei grandi artisti di quel periodo.

Enrico Crespi, In Chiesa, Olio su tela, 150 x 200 cm

La sezione curata da Enzo Savoia alla Galleria Bottegantica, dal titolo Dalla Scapigliatura alla Belle Epoque, raccoglierà trenta opere di artisti attivi nell’arco di tempo che va dalla Scapigliatura milanese fino agli anni della Belle Epoque: Mosè Bianchi, Beppe e Emma Ciardi, Luigi Conconi, Vittorio Matteo Corcos, Giacomo Favretto, Arnaldo Ferraguti, Bartolomeo Giuliano, Vincenzo Irolli, Pompeo Mariani, Alessandro Milesi, Luigi Nono, Ettore Tito, Alessandro Zezzos.

Ettore Tito, Prato in fiore (Bambini sull’altopiano di Asiago), Olio su tavola, 24,1x43,5 cm

Il percorso offrirà un approfondimento per il lavoro di Giovanni Boldini, straordinario cantore della bellezza femminile e protagonista indiscusso della Belle Epoque parigina,attraverso una preziosa selezione di dipinti, tra cui Nudo di donna con calze nere, Donna in riposo, Giovane signora nell’atelier e le figure di Madame Lantelme e Irene Catlin: opere in cui la donna è raffigurata in smaglianti ritratti ufficiali o in pose più ardite e sofisticate, nelle quali l’artista ferrarese riesce sempre a estrarne un’immagine sintetica e folgorante.

Giuseppe De Nittis, L’ora del pasto, Olio su tavoletta 9,5 x 7,5 cm

La Galleria Bottegantica ospita la sezione dal titolo “Dalla scapigliatura alla Belle Epoque“, a cura di Enzo Savoia, che raccoglierà ben trenta opere di artisti attivi nel periodo che va, appunto, dalla Scapigliatura milanese fino agli anni della Belle Epoque. Ricordiamo Mosè Bianchi, Beppe e Emma Ciardi, Luigi Conconi, Vittorio Matteo Corcos, Giacomo Favretto, Arnaldo Ferraguti, Bartolomeo Giuliano, Vincenzo Irolli, Pompeo Mariani, Alessandro Milesi, Luigi Nono, Ettore Tito, Alessandro Zezzos.

Vincenzo Irolli - Litigio amoroso olio su tela 105 x 78 cm

In particolare, all’interno del percorso della galleria incontreremo un approfondimento all’attività del grande artista Giovanni Boldini, cantore della bellezza femminile e protagonista indiscusso della Belle Epoque parigina.

Stefano Novo, Conversazione al balcone, Olio su tela, 52x74 cm

I suoi maggiori dipinti sono: Nudo di donna con calze nere, Donna in riposo, Giovane signora nell’atelier e le figure di Madame Lantelme e Irene Catlin. Si tratta di opere in cui la donna è raffigurata in smaglianti ritratti ufficiali o in pose ardite, nelle quali l’artista ferrarese riesce sempre a estrarne un’immagine folgorante.

Vincenzo Irolli, Un gradino pericoloso (Inverno), Olio su tela, 33 x 69 cm

Alla Galleria d’Arte Ambrosiana, invece, sarà Francesco Luigi Maspes a curare la sezione intitolata “Tra ritratto e paesaggio“, con venti opere che presentano l’evoluzione dell’immagine femminile nella seconda metà dell’Ottocento nei generi del ritratto e del paesaggio.

Vito D’Ancona, Allo specchio, Olio su rame 24 x 18,5 cm

Protagoniste del percorso espositivo saranno le opere di Angiolo Achini, Leonardo Bazzaro, Mosè Bianchi, Enrico Crespi, Giuseppe De Nittis, Bartolomeo Giuliano, Domenico Induno, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Gaetano Previati, Daniele Ranzoni, Giovanni Sottocornola.

Vittorio Corcos, Le istitutrici ai campi Elisi 1892

Il tema del ritratto sarà analizzato nel senso più esteso, dall'immagine del volto alla figura intera, di gruppo, familiare e non, in situazioni ufficiali, mondane o intime; ma anche del suo relazionarsi con il genere del paesaggio, che diventa in questo caso paradigma di sensazioni, deposito di memorie.

Adam Ant

Il decadentismo elettronico che è imperversato durante gli anni 70 entra negli anni 80 esaltando la sua componente neo-futurista.

Dei dandy si conservano i tratti più appariscenti, ovvero il travestismo e il sintetizzatore.

Dell'era "glam" si recupera il gusto della mondanità.

È in fondo ciò che sta accadendo nel mondo della disco music, rivisitato alla luce della prevaricazione punk.

Personaggi di transizione fra le due epoche sono gli istrioni che, contesi fra vita underground e decadenza snob, erano rimasti relegati prima del fatidico 1976 nei pub per affezionati delle metropoli industriali.

Questi emarginati, sociali e musicali, avevano assimilato l'iconografia nichilista e l'anelito poetico-maledetto del punk, ma restando fedeli a un individualismo mitomane e a un concetto più blando di provocazione.

Da personaggi "diversi" come Spizz (complesso che cambierà il suo nome con Athletico Spizz 80, Spizzoil and The Spizzles, e Spizzenergi) e Adam Ant prese l'abbrivo un movimento di sofisticata eccentricità, che sembrava voler ricreare l'atmosfera della Swinging London, con appena un dito di languida decadenza in più.

Il fenomeno venne battezzato "blow wave", e visse della contraddizione fra quell'acuta nostalgia per gli spensierati anni '60 e gli amari anni '80 della crisi economica.

Il decennio si è aperto con una recrudescenza della guerra civile in Irlanda (i suicidi volontari in carcere, l'attentato contro il primo ministro Thatcher), con i disordini razziali di Brixton, con la guerra delle Falkland, con una disoccupazione che assume proporzioni mostruose e con un governo conservatore fra i più reazionari della storia del Regno.

La decadenza della vecchia Inghilterra, e la corruzione dei suoi antichi costumi, sono ormai inarrestabili.

Uno dei brani emblematici del periodo "New Romantic": Naked Eyes - Voices In My Head

Ma il decennio si è anche aperto con le fastose nozze del Principe Carlo con Lady Diana, avvenimento anacronistico teletrasmesso in tutto il mondo, per il quale Londra, agghindata a festa e traboccante di folla in tripudio, ha dimenticato per un giorno tutti i suoi mali.

Altri fenomeni sembrano altrettanto contraddittori e assurdi.

Fra questi per l'appunto la "blow wave".

I suoi riti si tengono in appositi club (come il Blitz) che ripropongono il clima dei cabaret di Weimar, della Boheme, del futurismo italiano e dell'Art Deco, e nei quali si esibiscono complessini vestiti in perfetto stile anni '20 oppure in sgargianti costumi fantascientifici, ai quali è consentito suonare soltanto musiche futuriste e decadenti.

L'elettronica tragica e la melodia depressa si accoppiano a un ritmo ballabile e danno origine a una forma di disco music per intellettuali.

Il video (scarsino in verità) di uno dei manifesti del movimento New Romantic: ULTRAVOX - Vienna

Il punk aveva recuperato il gusto per l'iconografia estrosa e una disperata filosofia nichilista. La "Blitz wave" allarga il gioco, introducendo costumi d'epoca e pose distaccate da dandy emaciato.

I "Blitz kid" (giovani della classe operaia, studenti, disoccupati, gente che vive di espedienti) originano una sottocultura che ripropone in chiave decadente i fasti della Swinging London. Attorno a loro si forma il solito commercio di abiti in stile, magliette e poster per teenager.

E mentre gli stilisti esultano, frotte di dandy annoiati si compiacciono di mimare le pose dei loro nonni.

Steve "Strange" Harrington è l'animatore di questa Londra neo-futurista.

Capeggia con disinvoltura la moda delle mode, raccogliendo nei suoi club (come il Billy's) la crema dei poseur e dei voyeur.


Strange mette insieme due elementi dei Magazine e due degli Ultravox (Midge Ure e Billy Curie) e forma i Visage per le piste della sua discoteca futurista.


Il sound è melodico e ballabile, fine e leggiadro (Visage, 1980).

Video (indegno) per una canzone che ha attraversato i decenni senza perdere il suo fascino originale: VISAGE - Fade to Gray

La colonna sonora del nuovo movimento è una musica assai diversa dal punk-rock, è visceralmente compromessa con il ballabile elettronico e tecnologicamente frigida, calata in atmosfere opportunamente sterilizzate.

La nuova "dolce vita" notturna è comunque parente assai stretta dei punk di strada.

Vi si ritrova la stessa sfiducia nella società, lo stesso odio per il conformismo, la stessa certezza di non poter essere altro che maschere.

La rabbia punk è semplicemente degenerata in esorcismo del nuovo mondo.

La scenografia ne riproduce l'ambiente, lo popola di mostri senza volto.

Gli Spandau Ballet

E la musica li rigenera attraverso un rituale che ha l'unico scopo di mantenerli in vita in quell'ambiente.

La mania elettro-dance è un modo per darsi un'identità, per cercare di estrarre dalla crisi qualcosa che valga la pena di viverla.

È un pretesto per giocare con la crisi, divertirsi con essa, essere orgogliosi di farne parte.

Anche questa generazione potrà un giorno parlare dei "bei tempi andati".

Nei club degli ultra-hip ultra-snob ultra-chic si celebra un rito dagli oscuri contorni psicanalitici, ma che certo segna il riflusso dei punk dalle strade ai night club.

Sono Tony Hadley e i suoi Spandau Ballet ad aprire la pista, con To Cut A Long Story Short (1980), Chant N.1 (1981), True (1983): la terza "british invasion" ha inizio proprio da loro.

La sequenza degli hit poseur, kitsch e chic di questo movimento comprende poi

- Guilty (1981) dei Classix Nouveaux di Sal Solo e

- God's Kitchen (1982) dei Blancmange.

Il 45 giri dei Bow Wow Wow:
C'30 C'60 C'90 Go

In questo clima il mestatore recidivo McLaren lancia i Bow Wow Wow che, giunti nel 1981 dall'artigianato dell'home taping con il 45 giri C'30 C'60 C'80 Go, dopo un anno di gregariato tribalista alla corte di Adam Ant in qualità di Ants dilagano con una serie di perverse fantasie sessuali (Louis Quatorze, 1981) che semplicemente sovrappongono i miagolii sessuali della quattordicenne Annabella Lwin a un incessante drumming tribale pan-africano.

In margine a questa folta pattuglia di scalatori di classifiche si possono situare anche

- i latineggianti del funk: i Modern Romance e la loro disco/salsa/rumba/swing parodistica con tanto di trombe, fischietti e tamburi (Ay Ay Ay Moosey, 1981; Best Years Of Our Life, 1982);

- i China Crisis e i loro ibridi di bossanova, reggae e afro-funk (African And White, 1982; Working With Fire And Steel, 1983); e

- gli Haircut One Hundred di Nick Heyward e le loro fanfare calypso, soul e cha-cha (Favourite Shirts, 1981; Love Plus One, 1982; Fantastic Day, 1982), meglio rappresentate su Pelican West (Arista, 1982).

Nick Heyward lasciò il gruppo dopo quell'album per registrare North Of A Miracle (Arista, 1983) e I Love You Avanue (Arista, 1986), una carriera continuata nel decennio successivo con From Monday To Sunday (Epic, 1994) e The Appled Bed (Big Deal, 1998)

In parallelo si sviluppa una corrente più matura e creativa di funky bianco, la quale unisce la depressione del dark-punk e le intuizioni del funk-punk.

Uno dei migliori album dei China Crisis: What price Paradise

Il genere esce dall'underground quando complessi come i Modern English.

Di questa corrente futurista fanno parte i "punk positivi" dei primi '80, che ricercano un equilibrio fra maniacalità e sofisticazione, e che si ritrovano in club di violenza e demonismo esasperati (il Batcave per esempio). Tali club hanno bisogno di una new wave danzabile e al tempo stesso vogliono conservare i climi suggestivi dei Joy Division.

Ian Curtis dei Joy Division

I punk positivi li accontentano con un sound depresso ma più melodico del dark, puntellato dai synth e ovviamente molto ritmato.

Il termine viene coniato dai Positive Noise nel 1981 e, come sempre in Gran Bretagna, da un pretesto tanto banale si scatena un'ondata inarrestabile di gruppi, generalmente tanto pretenziosi quanto monotoni:
- i Section 25,

- i Danse Society di Steve Rowling, più intensi e raffinati (Heaven Is Waiting, 1983);

- gli Ausgang, eredi dei Killing Joke (Solid Glass Spine, 1984; Head On, 1985; Hunt Ya Down, 1985; King Hell, 1986).

Gli unici ad ottenere risultati artistici di qualche importanza sono Shriekback e New Order!

La vera grande novità degli anni '80 è il synth-pop, il pop eseguito interamente (melodia, ritmo e arrangiamento) con il sintetizzatore.

I new Order con Gillian Gilbert in primo piano al centro, Stephen Morris (a sinistra),
Bernard Sumner (a destra in fondo) Phil Cunningham (al margino destro)

La copertina di uno dei brani "storici" del genere synth-pop

Ad inventarlo sono stati:

- gli Human League,

- i Cabaret Voltaire,

- Gary Numan e

- gli Orchestral Manoeuvres in the Dark, portando a compimento le intuizioni di Brian Eno e Ultravox.

Una parte importante l'hanno svolta proprio gli emuli di Numan, i solitari trovatori "disco", gli artigiani del bricolage elettronico, del "do it yourself", ingegneri dell'elettro-pop da supermarket fabbricato con apparecchiature domestiche, non solo "one-man band" ma addirittura "one-man orchestra", che hanno aperto orizzonti sconfinati al genere.

Il capostipite è Thomas Leer (Monochrome Days, 1979; Don't, 1981; Letter From America, 1981; All About You, 1982; Soul Gypsy, 1982; International, 1985), seguito da Fad Gadget, ovvero Frank Tovey (Ricky'S Hand, 1980; Collapsing New People, 1984) e soprattutto da Thomas Dolby.

Thomas Dolby e la sua magica "I Scare myself"
(ascoltabile su Youtube al link integrato alla foto... )

Duran Duran

Depeche Mode

Oscillano fra soul e nostalgia, fra funk e cantautorato, dosando l'elettronica e il ritmo e riscoprendo l'importanza del canto melodico.

La star di questo techno-pop di classe sarà Howard Jones.

Il synth-pop è l'applicazione radicale degli insegnamenti di Roxy Music e Ultravox.

Il romanticismo, il futurismo e la danzabilità di quei gruppi vengono esasperati in direzione della discoteca e dell'elettronica da complessi come i Duran Duran e i Depeche Mode.

Nell'era elettronica il duo si qualifica come la formazione ideale. Grazie al sintetizzatore, il duo rappresenta in effetti l'orchestra leggera ridotta al minimo indispensabile: il cantante e l'accompagnamento (elettronico ovviamente).

Marc Almond & Dave Ball,
ovvero i Soft Cell

I maestri sono gli Orchestral Manouvres In The Dark, ma quelli che lanciano il fenomeno su scala mondiale sono i Soft Cell, cioè Marc Almond, poeta performer cineasta, e il tastierista Dave Ball.

Sulle loro tracce si sono affermati gli Heaven 17.

L'altro duo che riscopre il folklore "nero" in ambito elettronico è quello degli Yazoo (poi Erasure).

Da quelle esperienze traggono profitto gli Eurythmics.

Gli Eurythmics

I duo di maggior successo della seconda generazione saranno:

- i Pet Shop Boys,

- i Naked Eyes (Promises Promises, 1983),

I Wham!

- i Wham di George Michael & Andrew Ridgeley, con i loro semplici ritornelli (Wake Me Up, 1984; Careless Whisper, 1984; Freedom, 1984; Everything She Wants, 1985), doppiati poi dal successo personale di Michael (I Want Your Sex, 1987; Faith, 1988; Father Figure, 1988; One More Try, 1988);

Questi complessi mutano radicalmente le convenzioni del divismo musicale. Se il rock and roll aveva sostituito alla figura del cantante crooner quella del cantante scatenato, se il rock dei '60 gli aveva anteposto la figura mito del chitarrista, poi esaltata dall'heavy metal, il techo-pop degli '80 fa scivolare lo scettro del potere verso il tastierista, anche se il carisma rimane sempre al cantante. In ogni caso l'addetto ai sintetizzatori non è più il tecnico accessorio, ma il vero padrone del sound, responsabile di ritmo, arrangiamento e melodia.

Un'immagine degli esordi dei
Tears for Tears

Un altro gruppo di complessi spinge il genere in direzione del funk, ottenendo una versione molto elettronica del genere da ballo "nero" per eccellenza.

I più raffinati sono i Thompson Twins e i Tears For Fears.

Dietro questi complessi-guida verranno come al solito a centinaia gli imitatori:
- i Fixx (One Thing Leads To Another, 1983),

- i Talk Talk,

- gli oltraggiosi e fatui Frankie Goes To Hollywood, inventati dal produttore Trevor Horn (Relax, 1984; Two Tribes, 1984),

- i Wang Chung (Everybody Have Fun Tonight, 1986).

L'intuizione dei Duran Duran è fondamentale: l'aspetto visivo conta quanto quello sonoro, il video-clip diventa spesso più importante del 45 giri.

Un'immagine tratta dal sito ufficiale dei Duran Duran

Il "travestismo" diventa un fattore positivo per attirare l'attenzione dei media e aumentare le vendite.

I Culture Club lanciano così anche la moda dei gay dai costumi pittoreschi e degli atteggiamenti provocanti.

Si tratta in realtà della la più grossa truffa del decennio, una sorta di seconda clamorosa bubblegum, che catapulta in testa alle classifiche:

- i Dead Or Alive di Pete Burns, ex psichedelista di Liverpool ed ora languido sex-symbol, con You Spin Me Around (1985, tipico hit del trio di produttori Stock/Aitken/Waterman),

- gli elettronici Bronski Beat di Jimmy Somerville, il falsetto più noto del decennio (Heatwave, 1984; Smalltown Boy, 1985; Why, 1985),

- la loro prosecuzione Communards, impegnati in scialbi rifacimenti di classici della disco music.

Per l'America questa è una seconda "british invasion".

Era dai tempi del beat che i complessi inglesi non spadroneggiavano più così nella top-forty, ed era dai tempi del beat che la Gran Bretagna non produceva un genere così proprio e così dilagante.

La storia mondana delle charts diventa un susseguirsi di nomi sempre più bizzarri e di atteggiamenti sempre più androgini.

Innanzi tutto, ti ringrazio per l'attenzione prestata a questi "copia-e-incolla" (fatti con stile, qualcuno direbbe senza fingere modestia ) ma pur sempre frutto di ricerche e approfondimenti fatti sul web e su alcune riviste.

Della vicenda, ovviamente non ho esperienze di prima mano e, ricordo, che quando se ne parlava nel gruppo di amici in età universitaria arrivai a scontrarmi verbalmente con uno di loro che contestava le mie tesi sul killer seriale che aveva nozioni di anatomia e che di volta volta in volta aveva assoldato dei pervertiti come Pacciani e Co. (ovvero "I compagni di merenda") per depistare le indagini...

La vicenda, come molte altre sviluppatesi in Italia, ha aspetti torbidi e artificiosi, come se ci fosse sempre una qualche regia occulta per chissà quale finalità "complottarda"...

Ma almeno per questa volta non voglio credere ad un tipo di stampa maestra in dietrologia né ai soliti servizi deviati chiamati in causa ogni qualvolta i nuclei investigativi italiani non hanno saputo cavare ragni dai buchi...

La pagina da te indicata (che puoi raggiungere cliccando appunto sulla parola "pagina" scritta in giallo e se vuoi ti spiego come fare la prossima volta che vuoi linkarne un'altra) è una delle tante che ho "incontrato" prima della stesura finale dell' "articolo"... ma proprio per la valanga di commenti (moltissimi dei quali davvero fuori luogo) mi sono guardato bene dal tenerla presente, proprio perché troppo slegata dai fatti processuali e più propensa a creare ipotesi "scandalistiche", che non appartengono allo spirito di questo Forum...

Sebastopol Farmlands - oil on Panel 25" x 20"

Nelle infinite pagine create all'interno del social network Facebook non viene dato esclusivamente spazio alle storie, alle foto ed ai commenti di una singola persona, ma, meno male, anche a progetti degni di nota.


Facendo parte di una generazione che è vissuta (e sopravvissuta) benissimo anche senza Internet, il mio approccio a queste "realtà" virtuali è quanto meno... insolito...


Cerco quello che può sorprendermi e devo dire che l'ultima scoperta ha avuto questo potere ed è un vero piacere condividerla con i visitatori di questo angolo di Web...

Jeremy Mann (1979) è un pittore realista nato a Cleveland, Ohio, laureato presso la locale Università con una laurea con lode in "Fine Art-Painting" (Pittura).

"Sonnet Dress in Violets and White" - Oil on Panel - 36 x 55 in. - Sold - John Pence Gallery

In seguito, si è avventurato in California dove ha conseguito il Master con lode alla Academy of Art University di San Francisco.

"The White Dress" - Oil on Panel, 36 x 36 in., 2012

Da allora, il nome di Jeremy Mann ha cominciato ad essere sempre più citato nel mondo dell'arte.

"The White Vanity" - Oil on Panel - 48 x 48 inch

Ogni sua opera è su tela di media grandezza e mostra uno stile inconfondibile...

"Marya" - Oil on Panel - 36 x 36 in. - The Principle Gallery

Mann lavora su pannelli di legno ed utilizza varie tecniche. I suoi quadri sono realizzati macchiando le superfici delle tele, asciugando le vernici con solventi e applicando materiale verniciante granuloso con un diffusore.

"Yellow Night at Union Square"- Oil on Panel, 35 x 60 in, 2012

Mann dipinge con sicurezza e stile.

"The Muse" - Oil on Panel, 48 x 48 in., 2012

Propone composizioni complesse svelando un occhio maturo mentre i colori usati sono vivi e inquieti.

Nocturne #6, Oil on Panel, 12 x 12 inches, 2012

Vivendo nel centro di San Francisco, Mann dipinge le sue immediate vicinanze con un'espressione intima e dinamica.

"Portrait of the Artist, L.K.", - Oil on Panel, 32 x 48 in.

Un certo numero di composizioni sono ispirate dai marciapiedi della città, dove si riflettono i lampioni al neon, lasciando segni sotto la pioggia.

"Los Angeles" - Oil on Panel, 48 x 48 in, 2012

In ogni opera di jeremy Mann si respira la città con il temperamento e l'umore della sua personalità ...

Vanitas with Kitten Skull, Oil on Panel, 26 x 35 inches, 2012

Mann copre una vasta gamma di argomenti al di là dei paesaggi urbani: scene di interni, giovani donne, luoghi della sua città attuale, nature morte e scene pastorali che richiamano il paesaggio della sua città natale.

"Lindsey in Red and White" - Oil on Panel - 36 x 48 in

Lodato dai critici e collezionisti, i suoi lavori recenti hanno occupato spesso le copertine della riviste americane per collezionisti d'arte.

[color=yellow]Under The 80 In Blue, Oil on Panel, 36 x 36 inches, 2012

Mann fa uso di splendidi contrasti tra luci e ombre, che creano effetti sorprendenti.

Howard and 2nd, Oil on Panel, 10 x 14 inches, 2008

Particolarmente suggestivi i "notturni" delle città.

The Piers at Night, Oil on Panel,14 x 10 inches, 2006

Notevole l'abilità di Mann e la gamma di colori usati, attirando il suo nome nelle gallerie d'arte più prestigiose.

Una Bella Adagio, Oil on Panel, 53 x 50 inches, 2012

La sua abilità e capacità tecnica è davvero insolita per un pittore così giovane.

Untitled (Grace), Oil on Panel, 32 x 23 inches, 2012

Market Street, Morning in Green, Oil on Panel, 48 x 48 inches, 2009

Il suo realismo è caratterizzato da una splendida collezione di opere di figure e paesaggi urbani in un'ampia gamma di creatività e tecnica.

Verdant Pallor, Oil on Panel, 51 x 45 inches, 2012

Ha vinto numerosi premi fin da quando era un artista apprendista e si è aggiudicato trofei prestigiosi in più di una categoria.

Portrait With Lace And Feathers, Oil on Panel, 12 x 12 inches, 2012

È ospite di una ventina di gallerie d'arte ed ha un numero sempre crescente di estimatori .

Portrait With Bomber Jacket, Oil on Panel, 12 x 12 inches, 2012

Anche se i paesaggi urbani sono una sua specialità, si è avventurato in nature morte e figure umane con uguale intensità ed efficacia. L'uso della luce e la struttura dei suoi quadri rivelano l'anima di un pittore del vero.

Union Square In Yellow, Oil on Panel, 48 x 48 inches, 2012

I prezzi per i suoi lavori vanno da $1.250 a $25.000 a seconda delle dimensioni e della complessità.

"T.C. in White" - Oil on Panel, 28 x 18 in., 2012

Al mare, su un pullman, nel traffico, un rapper rotondetto, abito da gangster e occhiali scuri, scodinzola una sequenza di movenze sgangherate. E in tre minuti e mezzo, con un ritornello che buca il cervello, conquista l’attenzione internazionale.

Si chiama “Gangnam Style” l’ultimo miracolo di YouTube: a tutt'oggi sono 530 milioni le visualizzazioni del video...

Per un tormentone che è un cocktail di balli di gruppo, banali saltelli, la cavalcata di un rodeo.

Il video musicale mostra PSY ballare imitando la cavalcata di un equino.

Esegue la "danza" in diversi posti tra cui una piscina idromassaggio, una giostra, un ascensore, un garage e la metropolitana.

Diversi personaggi appaiono nel video:

PSY & Kim Hyun-a

La cantante Kim Hyun-a del gruppo 4Minute appare in due sequenze alla fine del video;
Due membri dei Big Bang, Daesung e Seungri, interpretano i due vecchi che giocano a un gioco da tavolo nel parco e che poi saltano nell'esplosione;
Hwang Min-woo, il ragazzo che si vede ballare all'inizio del video, è stato un concorrente di Corea Got Talent ed è stato notato da PSY, che lo ha chiamato per la partecipazione al video.

Gangnam Style è stato ripubblicato il 14 agosto 2012 come Oppa Is Just My Style (오빤 딱 내 스타일), aggiungendo anche la voce della cantante delle 4minute, Hyuna. Oppa Is Just My Style è l'interpretazione dell'originale Gangnam Style dalla prospettiva femminile.

PSY (Park Jae-Sang) è balzato alla popolarità con fan in tutto il mondo, incluse star vere.

Per prima se ne è invaghita Britney Spears.

Poi Nelly Furtado e Robbie Williams si sono lanciati nella danza.

Rendendo più virale il suo video.

Che contagia, perché disorienta: colori traslucidi, esplosioni improvvise, giri di giostra, volgarità in agguato.

Se si ricerca il termine Gangnam si scopre che è un distretto della capitale coreana Seul (per inciso in cui vive la classe borghese ed elegante della città) e che “Gangnam Style” è un neologismo coreano coniato per descrivere un certo lifestyle di alcuni coreani che provengono da questo distretto che ostentano ricchezza e potere.

Britney Spears, PSY e Ellen Lee DeGeneres (Conduttrice di Ellen show) ballano in diretta il "Gangnam Style"

Intervistato dalla CNN, PSY lo ha paragonato alla Beverly Hills americana: nel video infatti ci sono tutti gli ingredienti di uno stile di vita lussuosissimo a cui non sempre Park Jae-Sang prende parte pienamente: motoscafi, eleganti cavalli, look curato, saune, centri commerciali, discoteche super trendy, automobili costose.

A ben guardare PSY gira in autobus e ammira la fiammante auto sportiva rossa, tutti cavalcano un cavallo ma l’unico su cui riesce a salire è un cavallo di una giostra.

Vantando anche un numero smisurato di imitazioni, il filmato ufficiale potrà anche entrare nel Guinness dei Primati, visto che è uno dei più visti degli ultimi tempi.

Ha infatti battuto Party Rock Anthem degli LMFAO e Baby di Justin Bieber, che finora avevano il primato.

Un "mashup" tra fermo-immagini dei videoclip
"Sexy " dei LMFAO e Gangnam Style di PSY

Secondo il Comunity Manager del Guinness World Recods, Dan Barrett : “Negli ultimi due mesi, il brano Gangnam Style è stato sulla bocca di tutti ed è fantastico poter premiare con un record questo video molto popolare. In passato era impensabile che un video venisse visto milioni di volte ma a quanto pare PSY è riuscito a realizzare questo ed ha raggiunto ben 2 volte il traguardo in soli 2 mesi! Per cui PSY, il certificato è qui che ti attende, puoi venire a ritirarlo quando vuoi!“.

Quando si mettono due canzoni incredibilmente orecchiabili insieme, non c'è modo di fallire.
Questo è ciò che hanno fatto "flipboit4midles" (un gruppo yputube)unel loro ultimo video!
Hanno mixato il brano dei LMFAO "Party Rock Anthem" con le "PSY Gangnam Style" senza perdere nulla quanto a ritmo e orecchiabilità...

Un "mash-up" (il mix audio-video si chiama così) che è riuscito ad abbinare due stili e due culture completamente diverse...

Già nel 1969, uno dei protagonisti della Beat Generation, William S. Burroughs, in un articolo su “The Guardian” aveva individuato il problema che si sarebbe presentato a pubblicitari, ingegneri e meccanici dopo la rivoluzione sessuale.

«Come i costruttori, anche i pubblicitari hanno dovuto aguzzare l’ingegno per immaginare le réclame».

E allora in una prima fase hanno individuato come obiettivo da raggiungere l’irrinunciabile agiatezza, poi hanno proposto l’auto come estensione della virilità maschile, infine hanno attribuito alle quattro ruote “cittadine” il ruolo di strumento di liberazione delle donne.

I curiosi e gli amanti della storia della pubblicità hanno avuto modo di visitare, al Salone dell’auto di Parigi, la retrospettiva dal titolo “L’automobile e la pubblicità”

La ventesima edizione speciale di questa particolare sezione del Salone di Parigi, è stata, al solito, affidata alla Federazione Francese dei Veicoli d’Epoca, estendendosi su ben 5 mila metri quadrati.

I veicoli d’epoca presentati sono stati una cinquantina, fra cui la “prima automobile” - la Type 15 realizzata nel 1897 dalla Panhard - che poi sarebbe diventata Peugeot, o la mitica Nervasport ZC4 della Renault del 1935 o ancora la Type A del 1919 di Citroën.

Qualche Toyota, Alfa Romeo, Nissan e poi manifesti pubblicitari, dépliant, slide show provenienti dagli atelier di costruzione e spot scovati nei ricchissimi archivi dell’Istituto nazionale dell’audiovisivo.

Speriamo non abbia ragione lo scrittore Louis Tessier du Cros, che in una sua perla di saggezza dichiara: «Viviamo in un tempo in cui l’amore si fa in fretta, cioè male.
La colpa va data agli affari, alle automobili e alle chiusure lampo», ma la Federazione avrebbe forse dovuto dare proprio all’arte il proprio ruolo, piuttosto che lasciare alle case automobilistiche la promozione dei modelli fuori commercio.

Un guizzo di spirito critico avrebbe forse ringalluzzito la fiera.

Il 22 agosto 1962 il presidente Charles de Gaulle
fu bersaglio di un attentato.
Riuscì a scampare all'attacco di mitragliatrici
grazie alle efficienti sospensioni
della sua Citroën DS presidenziale
e ad al coraggio dell'autista che riuscì
a guidare la macchina ad oltre 80 km/h
con le due ruote anteriori sgonfie.
Nella foto c'è un foro di proiettile a testimonianza
dell'attentato alla Citroen presidenziale

Ecco, infatti, che la Citroën Ds con le sue sospensioni idropneumatiche salva il generale De Gaulle dall’attentato del Pétit Clamart e, grazie allo spot di Lionel Mougin, promette di far la stessa cosa con tutti.

Ecco che la Peugeot 205 Gti ad iniezione elettronica, nel 1983, diventa l’auto di un improvvisato James Bond alla francese, inseguita da un immenso bombardiere americano del tipo Hercules.

Messo a disposizione del grande regista Gérard Pières dai canadesi, il bombardiere sgancia un missile contro il paracadute a cui è legata dall’inizio dello spot monumentale la 205.

Atterraggio di fortuna in una vallata innevata, rincorsa da parte del bombardiere, minaccia d’atterraggio dell’aereo da caccia sul tetto dell’auto.

La Citroen 2 Cavalli

Ma spazzando via la neve dalla sua giacca, lo 007 riesce a fuggire e completare la missione speciale: arrivare in tempo all’appuntamento con la sua complice sensuale.

Uno James Bond in un minuto, realizzato senza effetti speciali.


Se non viene evocata la “bellezza selvaggia” di Grace Jones, che nel suo spot automobilistico del 1986 ingoiava in pieno deserto una Citroën Cx, vengono invece omaggiati il tenente Colombo e la sua cabriolet Peugeot 403, Alain Prost con la sua Renault Turbo, la Nissan con tre generazioni di Micra, la sportiva Alpine Prototipo 110,50.


L’Italia, invece, è appena rappresentata da una Lancia Delta “ammirata da tutto il mondo”, una Giulia Alfa Romeo e due tipi di Fiat Panda.

James Dean ritratto da Dennis Stock nel ’55
in quella che era una tappa obbligata per gli attori nella Hollywood
dei tempi d’oro: la lezione di ballo.

Tutto il cinema minuto per minuto: dalla preparazione di un film alla distribuzione, dalla scelta degli attori al montaggio, dal set al red carpet.

E tutta la storia, dalla celluloide al 3D, da Fritz Lang a Giuseppe Tornatore, da Louise Brooks a Sharon Stone.

Sono centinaia le immagini raccolte nel “Movie:box. Il grande cinema e la fotografia” che Contrasto ha mandato in libreria il 4 ottobre.

Dietro all'obiettivo, ci sono i più grandi fotografi di ieri e di oggi - da Henri Cartier-Bresson a Phil Stern, da Bruce Davidson a Martin Schoeller, da Ferdinando Scianna a Richard Avedon.

La costruzione di un attore passa anche attraverso i ritratti che ne fanno i grandi fotografi:
uno dei più belli del “Movie Box” è questa Tilda Swinton firmata Fabio Lovino, del 1999.

Il re del brivido non si smentisce mai:
Alfred Hitchcock con la moglie in una foto di Philippe Halsman del ’74.

Paolo Mereghetti, il critico che ha curato il volume, ha diviso le immagini in dieci capitoli che ripercorrono la storia del cinema ma anche la sua quotidianità, il mito ma anche la realizzazione artigiana di una scenografia, di un costume, di un’inquadratura.

Il risultato è un’antologia fotografica che esce contemporaneamente in altre sei nazioni: da Thames & Hudson in Gran Bretagna, da Abrams negli Usa, dalle Editions du Chêne in Francia.

E poi in Giappone, Spagna e Olanda.

“Movie Box” è il quarto volume di una collana che ha incontrato un successo crescente: sono raccolte di immagini famose che mettono a fuoco un tema (la fotografia, lo moda, la musica) e lo racchiudono in un volume che grazie a una calamita si chiude come una scatola.

L’anno è il 1967, il film è “Bella di giorno”, l’attrice Catherine Deneuve,il regista Luis Buñuel.
La storia della bella signora che si prostituisce non sarebbe stata la stessa senza la cura
con cui il regista controllava ogni effusione.

In questa scatola c’è tutto quello che amiamo del cinema: Marilyn Monroe che si allena con i pesi e Vittorio De Sica che dorme, Jessica Lange nella zampa di King Kong e Stanley Kubrick sul set di “2001: Odissea nello Spazio".

Paolo Mereghetti ha scritto nella chiosa d'apertura:
"Nelle immagini di fotografi come Richard Avedon, Michel Comte, Eve Arnold, Philippe Halsman, Herb Ritts, Martin Schoeller, Phil Stern, George Hurrell, Ernst Haas, Dennis Stock, Clarence Sinclair Bull, Eugene Smith rivive il cinema, la sua magia, i suoi spazi fantastici, i suoi immortali personaggi. Potrebbe sembrare un controsenso un libro di cinema fatto di fotografie.

Ma è uno strano meccanismo quello che si mette in moto sfogliando questo libro. Vedo una foto di Marilyn Monroe e penso a quando suona l'ukulele con le altre Dame del ritmo o si fa sollevare la gonna da uno sbuffo d'aria della metropolitana o ancora si ripara dagli spruzzi delle cascate del Niagara sotto una cerata gialla.

Steven Spielberg nel set di "Jurassic Park"

Guardo un ritratto di Clarke Gable e torna in mente lo schiaffo a Rossella O'Hara, o il tentativo di fare l'autostop insieme a Claudette Colbert o la caccia ai cavalli selvaggi nei deserti del Nevada... capita sotto le mani una immagine di Anna Magnani e la sento gridare dietro.

I meccanismi del ricordo e del piacere funzionano così: hanno bisogno di un punto di partenza, di un aggancio, di uno stimolo. Anche per il cinema.

Sfogliando le pagine che seguono, immagini e ricordi si accavalleranno in maniera inestricabile, perché un ritratto rimanderà a un film, una foto di scena ci ricorderà una battuta, secondo un meccanismo di rinvii e una rete di collegamenti che stimolano la memoria e riaccendono la fantasia."